Resumen sobre la Historia del Arte.
1. CONCEPTOS BÁSICOS:
- ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la
materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible,
y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a
toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar,
obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética. El artista para
crear, requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de la cual
responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por
medio de palabras, formas, colores y sonidos.
- ARQUITECTURA: En un sentido corriente, la
Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un programa y empleando
los medios diversos de que se dispone en cada época; así podemos definirla como
el arte de proyectar y construir estructuras. La misma tiene un sólido
fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta razón se dice
que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad espiritual
de una época y esa expresión arquitectónica es el resultado de todos los
elementos constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se
entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo circunda. De
allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el espacio,
transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra
unir la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra, pues una
obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina.
- ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear
formas expresivas de tres dimensiones reales, sean volúmenes, cuando se emplean
materiales compactos, sean objetos en los que predomina el espacio, apenas
delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean
materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales
transparentes. La primera forma es la tradicional, la segunda se desprende del
carácter que tiene la escultura de vanguardia, pero ambas afirman la
tridimensionalidad. El escultor tradicional crea formas volumétricas modelando
una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera y la arcilla húmeda, o
tallando materias duras como la piedra, el granito, la madera, el marfil, o
bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve lo que aquellos
representan en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando
piezas de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de acero, filamentos de
madera, cuerdas de violín y materiales plásticos variados.
- PINTURA: Arte que representa en superficie
plana cualquier objeto real o imaginario por medio del dibujo y el color. Los
testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y pinturas que los
primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas
pinturas fueron llamadas Rupestres. Desde el punto de vista técnico la pintura
se dice que es al fresco cuando se aplica a paredes y techo usando colores
disueltos en agua y cal; al óleo cuando ha sido elaborada con colores desleídos
en aceite secante, por lo general sobre una tela. La pintura al pastel se
efectúa con lápices blandos y pastosos; la acuarela emplea colores
transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el procedimiento de
emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel; pintura al temple
es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en ella se emplea entre
otros productos, el agua de cola. En la llamada de porcelana se usan colores
minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.
- ARTES VISUALES: En su sentido más general, son
las que se relacionan con la impresión e ilustración, las que se expresan por
medio de gráficos e imágenes; abarca todas las artes que se representan sobre
una superficie plana. Las Artes Visuales tienen como función el comunicar lo
que el artista desea expresar por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto
a los elementos compositivos como a los principios compositivos, para que la
obra en sí resulte agradable y de buen gusto para quien la observe.
2. ORIGEN DEL DIBUJO
Desde la prehistoria el hombre trató de
reproducir en las paredes de las grutas las formas de los animales que había
observado, logrando representar sus movimientos, la masa y la forma de los
cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por el ser
humano, que siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos los
veían. El hombre a través del tiempo deja su huella traduciendo la impresión
que le transmite un objeto reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, bien
por medio de un trazo, como en el arte egipcio, griego y japonés, bien
sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las sombras y de
la luz; este último modo de expresión es ya visible en los frescos de Pompeya y
en los artistas del Renacimiento italiano, como Leonardo De Vinci. En términos
generales, este arte se ha desarrollado en función de las condiciones de
existencia de cada época, de cada cultura y de los progresos y conocimientos
acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por los artistas.
3. CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO
Es la representación de un objeto por medio de
líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de
nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo
humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo
es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos
dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en
cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio
arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un
trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación
de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la
estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un
elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza
expresiva, se convierte en un arte independiente
4. INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS
Las técnicas del dibujo son diversas y han
variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el
lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El
hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de
marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de
sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los
dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera
astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos,
obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre
amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores
egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de
estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el
contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de
los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción
química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos
emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la
encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos,
muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos,
sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía
se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún
aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua
hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado
previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un
método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros,
fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos
fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación
de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer
bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el
óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para
darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y
aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente,
que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco,
la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el
exceso de aceite.
5. EL ARTE EN LA HISTORIA
- PREHISTORIA
ÉPOCA PALEOLÍTICA
Las manifestaciones pictóricas de esta época son
llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas
regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas,
alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de
una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se
presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las
figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas
en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de
las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente.
A esta primera fase del arte rupestre se le ha denominado Auriñaciense, en esta
fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan
de perfil y las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase, la
Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color
y los perfiles aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada
Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se
observa una asociación de la figura humana con la figura animal en las
representaciones, hay variada policromía y el empleo del claroscuro como elemento
expresivo. Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de las
pinturas es la esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento
y dinamismo.
PINTURA: Las primeras manifestaciones pictóricas
provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó
Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del
mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes
dimensiones. Responden a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye
un carácter mágico-religioso porque se presume fueron realizadas como rituales
para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas
primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los
dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el
color, rojos y negros mayormente. Hacia finales del Paleolítico, la
característica esencial de la pintura rupestre es la esquematización de las
formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.
ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las primeras
esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra,
de pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad. Se las conoce con
el nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas tenemos a las Venus de
Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi.
ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de Piedra
Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia y en cambio se
desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que recibe
el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras,
estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.
- ARTE EGIPCIO
La pintura egipcia posee una sensibilidad
artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje
estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la
pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una
gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa.
Con respecto a la representación de la figura humana, esta se caracteriza por
los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas
de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la
figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y
gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas
de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las
paredes de templos, tumbas y palacios.
ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del
genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron monumentos que asombran
por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores.
Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y
Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.
PINTURA: La pintura egipcia posee una
sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir
un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se
observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio
compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural
y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó por los
siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de
perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la
figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y
gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas
de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las
paredes de templos, tumbas y palacios.
ESCULTURA: A lo largo de su historia, la
escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por causas políticas y
religiosas cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la
construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el
Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de
Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.
- ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de C.,
en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se
caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio de los
elementos y su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura
humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El atletismo,
tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La
sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas
artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la
escultura y la arquitectura.
El arte griego comienza aproximadamente en los
siglos V y IV. Se caracterizó por darle a sus obras el mayor sentido de la
proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de elementos y por reflejar
una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una pequeña península situada al
sureste de Europa. Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que
dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y
modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de
los griegos.
ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se
empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador de sus monumentales
obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el
adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes
principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios,
los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los
diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes
arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de
manera preferente el mármol, el cual pulían de forma cuidadosa; también
emplearon la piedra.
ESCULTURA: La escultura griega no está sujeta ni
a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene libertad de expresión, sin
embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una
escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el
movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la
figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases
evolutivas, con características propias en cada una de ellas. Estas son:
- Arcaica: Se caracterizó por ser una época en
donde los escultores buscan un estilo y una técnica propios. En ella aparece la
figura femenina y masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático,
sin movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos se
despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas
eran hechas como ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros de
Anavyssos (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza
del caballero Rampios, etc.
- Clásica: esta época significó el período de
mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores
logran la perfección de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas,
en donde se observa la magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2
períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón,
Fidias y Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y
Lisipo, ambos estilos tenían características propias.
- Helenísta: esta época corresponde al fin del
arte griego, las obras de esta época toma modelos de las anteriores,
perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la
figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad,
dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un
primer plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más
importantes: las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los
pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se
manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por
descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo
que ha quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella
pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos,
Zeuxis, Parrasio y Apeles.
CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores
la mejor y más variada expresión en lo que a decorado y pintura se refiere.
Esta variedad nos da una muy completa evolución de su cultura. Con un estilo y
técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y originales,
predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del
barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre
fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas animales y
humanas.
- ARTE ROMANO
Resulta de las influencias etruscas y griegas,
alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se desarrolló en Italia
desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo
consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más
flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su
influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus
mayores logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el
dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los murales.
Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas,
naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos
corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la
forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo
Helenístico - Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la
pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II
hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos:
de incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de labradores, de
comerciantes, de guerreros. Los romanos mostraron mayor interés por las cosas
prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un sello utilitario. Pueblo
dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por preocupación
fundamental mantener el dominio sobre los territorios colonizados, para lo cual
movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que apretó
los lazos entre la metrópoli y las provincias, y desarrolló una gigantesca
labor constructiva con un variado repertorio de formas arquitectónicas
perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes realizaciones fueron el
Derecho y la Arquitectura, pero su mérito principal es haber extendido la
civilización grecolatina por una vasta parte del mundo conocido.
ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está
concebida en función de las necesidades privadas y públicas. Expresa la
voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector de la
vida privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la
glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la
belleza busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas
sólidas y pesadas. Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a
que todos los pueblos sujetos a su dominio asuman una fisonomía material a
imagen y semejanza de la Urbe. Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna
y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda (tomado de los etruscos).
Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los
teatros, los anfiteatros, los circos, etc.
LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos
contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato. En sus
comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego la
influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en Roma o en
la Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas
a Roma, impulsa la corriente idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias
se advierte en obras del período republicano.
PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un
destino utilitario que se cumple en su función narrativa, honoraria o
descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada a exigencias
religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el retrato
llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es un arte naturalista. Es
una obra anónima.
PINTURA: La conocemos a través de los frescos
hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos
decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los
temas son históricos, mitológicos paisajísticos y marineros. También en ciertos
períodos se hizo una pintura arquitectónica, que imita a los elementos
constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de
color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera
impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura
domina el gusto realista por lo que los temas preferidos, son el retrato, la
caricatura y el paisaje.
- ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el
período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que
se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que
tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de
edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado
románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas
derivados del latín.
ARQUITECTURA: Es una arquitectura religiosa, de
creación monástica, porque son los monasterios y los conventos los que la
impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal de austeridad y
recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de vista técnico,
pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus
elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada. El
principio de sustentación es estático, pues enfrenta masa contra peso. Presenta
un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada más que por
los elementos de refuerzo, que van incorporados a la estructura. Otros elementos
constructivos: contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.
ESCULTURA: Está subordinada a la arquitectura,
que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o
estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los
fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
Estilización y desproporción: las figuras no guardan las proporciones
naturales. Tampoco guardan la debida perspectiva ni la relación de tamaños que
se debe a la diferente profundidad a que están las figuras. En los relieves, la
diferencia de tamaño significa la importancia del personaje. Composición
simétrica: las escenas se componen, guardando una relación simétrica. En los
tímpanos, la composición tiene siempre como eje la figura de Cristo.
PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo
notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la
decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la
construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición
simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que
muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental
a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables
ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos
abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las
escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza
con fidelidad.
- ÉPOCA MEDIEVAL
El arte de la Edad Media es esencialmente
religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época
medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se
produjeron distintos estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano,
cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe
destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran
colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz,
etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al
dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban
excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos
en las cuales se observa que las figuras representadas poseen un hieratismo
bastante acentuado que siempre están colocadas de frente. El Románico,
denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa
a los idiomas derivados del latín, se encargó de decorar el interior de muchas
basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas
figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura
románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían
ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron
pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y
evangelios. Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres
connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el
desarrollo comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y
realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se
introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan
estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las
catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta
manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.
- ARTE GÓTICO
Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un
arte poderosamente original, que fue llamado, un tanto despectivamente Gótico,
en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores habían sido los
pueblos germánicos que ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les
designaba con el nombre de Godos. También se conoce este arte como Ojival, por
la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de
lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de
París, en la región llamada Isla de Francia. Aquí se construye en el año 1140
el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la catedral
de Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan los elementos propios
del estilo. De Francia pasó a todos los demás países de Europa, en cada uno de
los cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos
esenciales.
FASES DEL GÓTICO
- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII)
Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro
paños de perfil en punta de lanza.
- RADIANTE (siglos XVIII y XIV)
Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas,
bóvedas de varios paños y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV)
Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy
delgadas. Gran altura de naves y torres. Ornamentación escultórica apretada.
Uso del arco conopial y de la bóveda en forma de estrella.
ARQUITECTURA: El arte gótico se manifestó
magníficamente en la arquitectura, se construyeron casas particulares, palacios,
edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero en
realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura
extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla. Los elementos
constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y
el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de equilibrio dinámico y
domina en ella la línea vertical, lo que produce una impresión de impulso
ascendente, acentuado por las formas agudas de los arcos y la abundancia de
elementos puntiagudos.
ESCULTURA: Las características de la escultura
se pueden observar en los santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras
alegóricas que llenan el interior y exterior de la construcción, haciendo de
remate en pináculos, cubriendo los frisos y las arquivoltas, los tímpanos y
todos los espacios posibles. Para dar idea de la decoración escultórica,
bastará saber que la decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta
con más de ocho mil figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano,
Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell.
PINTURA: En aquellos países donde el estilo
gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo importancia,
sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre
tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno
o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la
figura humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la
naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado
hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que
brilla con intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck,
Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.
- ARTE BIZANTINO
Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido
cabeza de una provincia romana, asciende de repente (año 330), por decisión de
Constantino el Grande, al rango de capital imperial con el nombre de
Constantinopla. Medio siglo después, el emperador Teodosio divide su reino
entre sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de
Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con centro en
Bizancio. La caída del Imperio de Occidente (año 476) echa sobre Bizancio la
herencia espiritual de Roma y acrecienta su importancia como poder político y
artístico, que le llegará a su cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la
situación geográfica de Bizancio, en las puertas de Asia; su alejamiento de las
fuentes latinas y el contacto estrecho y continuo con los reinos de oriente,
influyen sobre ella en forma que si, por una parte, mantiene su título de hija
y continuadora de la cultura clásica, por otra, Bizancio ofrece los rasgos de
una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas
costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático que al
grecolatino, lo cual se refleja en su arte.
ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas
de los países con que Bizancio estuvo más en contacto o que formaban parte de
su misma tradición histórica y cultural. Por eso en sus construcciones
encontraremos elementos tomados de los romanos, de los griegos, de Siria o de
Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los más importantes
tenemos:la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los
contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la
arquitectura bizantina es la Iglesia.
PINTURA: Presenta dos modalidades muy
interesantes: la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la
de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas
Iconos, es decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o al temple, y eran grandes
composiciones de tema religioso, con un carácter simbólico que agradaba mucho a
la mentalidad abstracta del oriental. En los grandes espacios formados por
bóvedas y cúpulas se representaban escenas alegóricas en las que entraban la
Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc.
LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte
mural bizantino sin referirnos a una de sus más hermosas creaciones: el
mosaico. Consistía en la composición de grandes escenas, generalmente
religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de cerámica o de
mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base
debidamente preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las
figuras que se querían representar. La gran diversidad de colores y matices de
estas teselas permitía dar a las figuras todos los efectos de la pintura, en lo
que se refiere a tonalidades, sombras, formas, etc.
ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura
bizantina es una prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran
vigor. Pero después de la revolución de los iconoclastas, que acabaron con
todas las imágenes religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la
escultura perdió importancia y quedó reducida a las artes menores del marfil,
el esmalte, el bronce y el oro, materiales en los que se trabaja el bajo
relieve con gran maestría.
- RENACIMIENTO
El Renacimiento comenzó como un movimiento
orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo;
es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de
vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida
cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y
a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se
perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del
Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de
la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de
la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven
plásticos; se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela
los grandes conflictos del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación
que Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En
el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les
gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas
cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la
profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana
sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las
referentes a mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes
alusivas a la carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas
decorativas, donde el artista tenía más libertad de expresión; ya en el siglo
XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre
los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por
sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti,
Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos,
algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que
a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están
plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y
también se puede apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de
luz difusa.
Se llama Renacimiento al gran movimiento
artístico y filosófico que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a
fines del siglo XV, y que muestra como principal característica, que se manifiesta
particularmente en las artes, su admiración por la antigüedad clásica, que toma
como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso
ser: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un
movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del
Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el
punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de
vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a
Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza.
La cuna del Renacimiento fue Florencia.
Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero
gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. La cultura
greco-romana había sido desplazada durante la Edad Media. En esta época lo
novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas nuevas concepciones
artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor auge, debido a los
recelos de los sabios humanistas orientales que emigran a esta ciudad después
de la caída de Constantinopla; es así como al ser rechazado el estilo gótico y
bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas greco-romanas,
surge el arte del renacimiento, que se expande por toda Europa (Francia,
Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica, especialmente).
PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO
- Conservación en universidades y conventos
medievales de valiosos manuscritos de autores griegos y romanos.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía
posible la lectura de las obras clásicas.
- La presencia en tierra Italiana de ruinas
romanas que tenían que despertar en los curiosos el deseo de conocer la
civilización que había levantado tales monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a
la difusión de los escritos de los poetas, filósofos y sabios de la antigüedad
y de los modernos.
- Los descubrimientos geográficos, el avance de
las ciencias naturales y el progreso de las técnicas que inspiran una confianza
ilimitada en el poder de la inteligencia humana y estimulan a la acción.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Imitación de la arquitectura y la escultura de
Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a
cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que
proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección,
atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO
- PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y
XIV. Coincide con el período gótico europeo.
- QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV
y su centro cultural es la ciudad.
- CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su
cabeza es Roma.
ARQUITECTURA
La arquitectura del renacimiento empleó los
órdenes clásicos (jónico, corintio y dórico), combinándolos entre sí en un
mismo tipo de construcción, pero no tal y como aparecen en la arquitectura
grecorromana sino al amparo de la inventiva y originalidad del arquitecto
renacentista, de esta manera surge el estílo "colosal" propio de esta
arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da
mucha importancia a la arquitectura civil, construyéndose los Palacios
Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación,
que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma de cubo con
tres pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en
las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas y
patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza
en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin embargo, el centro
adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que desplaza a la ojiva
gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación
con los elementos constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o
sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón
seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la
"cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de
varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido
en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo.
En lo que respecta a la decoración de las obras
arquitectónicas, se observa que se emplearon varios elementos, estos son:
- La Escultura: cubre toda la superficie de los
monumentos como un sutil manto, en sus inicios; luego se realizan esculturas en
bulto que adornan el conjunto arquitectónico, posteriormente hay una gran
profusión de ésta envolviendo por completo el conjunto lineal arquitectónico.
- La Policromía Natural: consiste en el empleo
de diversos materiales naturales, los cuales al ser combinados reflejaban una
diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron el mármol blanco de las paredes
con la piedra de los muros.
- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las
paredes finos relieves pintados con dos colores.
- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y
paredes interiores de la construcción, se empleó una diversidad de tonos, los
cuales los hacía muy llamativos.
- Los Frontones: son de inventiva romana,
colocados casi siempre sobre puertas y ventanas, generalmente son rectilíneos,
pero en ocasiones pueden ser triangulares o curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas que se colocan
contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus orígenes en la arquitectura
romana.
ARQUITECTOS RENACENTISTAS
- ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante
da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti.
- ESPAÑA: Diego de Siloé, Juan Herrera.
- FRANCIA: Salomón de Brosse.
ESCULTURA
El origen de la escultura renacentista se
remonta al siglo XIII, en Toscana, con el escultor Incola Pisano, quien se
encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la catedral. Este escultor
es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad bizantina y con
las ideas artísticas del arte gótico, pero su obra queda aislada.
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la
época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta época se advierte:
Vehemencia por la naturaleza y el desnudo
idealizado o natural.
Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
Reinterpretación modernizada de los cánones
clásicos.
Temáticas diversas: mitología, religión,
historia, leyendas, etc.
La escultura renacentista es el primer medio
expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo
con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó Época
Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.
SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA
Surgen los primeros intentos del nuevo estilo
escenificado en las obras de los "pisanos", Incola, Giovanni y Andrea
Pisano.
Entre las características de estas primeras
obras tenemos:
Expresión de sentimientos humanos.
Inspiración en la antigüedad clásica.
Realización de "Madonas".
Ropaje y accesorios profusamente trabajados.
SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA CLÁSICA
Durante estos siglos existe una gran producción
de obras de arte. La actividad artística se encuentra centrada en la ciudad de
Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes son Donatello
di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la importancia en este
siglo de las obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos
escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad
escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y
vidriado.
Las características de esta época son, entre
otras:
Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros,
etc.)
Diversificación temática.
Efectismo pictórico.
Gran destreza en la ejecución de obras hasta
llegar al perfeccionismo.
SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA
Durante este siglo la figura más resaltante es
Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con características muy
propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma época, también
sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas
obras tenemos:
Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
Dominio anatómico.
Figuras llenas de abundante vitalidad.
Demostración de gestos y actitudes en sus
figuras.
Fuerte influencia clásica.
Materiales: bronce y mármol preferiblemente.
PINTURA
La pintura renacentista está plena de
religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en donde el
retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.
Durante el renacimiento surgen diversas
escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan, entre
estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría,
la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.
Los pintores también se agrupan, pero por
generaciones, así, tenemos los del Quattrocento (1400) y los del Cinquecento
(1500). Hay otra clasificación muy utilizada para caracterizar las obras
pictóricas del renacimiento, la cual es:
Renacimiento Temprano: que abarca desde el año
1420 hasta el año 1500 y cuyos representantes más significativos son Fran
Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli, entre
muchos otros, con pinturas verdaderamente grandiosas.
Alto Renacimiento: que comprende el período que
va desde el año 1500 hasta el año de 1527, en el cual se destacaron famosos
pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto,
Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el Greco.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA
Es narrativa: expone historias y sucesos, reales
o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.
Es realista: las figuras humanas o de animales,
y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se
parezcan en todo a sus modelos reales.
El cuadro se presenta como un escenario: un
espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva
geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de
vista del pintor suele estar en el centro del cuadro.
La composición está sometida a esquemas
intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la
distribución de las figuras.
En cuanto a los esquemas de composición
preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular
con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los
triángulos son dos combinados.
En general, es una pintura dibujística, que se
fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color
como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se
cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
Se da interés preferente al cuerpo humano, en
particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.
A partir del siglo XV, se usará en vez del
temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que
facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.
EL DIBUJO Y EL GRABADO
Los grandes pintores del renacimiento fueron
dibujantes de primera. Los apuntes, bocetos y estudios que conocemos de
Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se destacaron por su
majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo del lápiz. El que
más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a través del dibujo
realiza sus famosos estudios anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos
pero firmes, destacando las expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica
independiente, con valor por sí misma, no fue considerado en la época, quedando
reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para tomar apuntes rápidos del
natural o hacer estudios de composición, perspectiva, movimiento, anatomía y
otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.
Las técnicas que solían emplear eran el
carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre papel. Pero si el dibujo no
tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en cambio el grabado,
sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una técnica
autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales: el
grabado en metal (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya
difusión contribuyó el reciente invento de la imprenta en 1450.
- BARROCO
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI
y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países
europeos, desarrollando características propias en cada país. En este arte hay
una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos
ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida
de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas
normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las
vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin
embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces
y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se
produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista,
en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en
Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain;
en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por
Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y
Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas:
la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada
por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la
cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt
H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y
parte del XVIII, su punto de partida fue Italia, Roma, concretamente, donde
dejó monumentos grandiosos en el orden de la arquitectura. De Italia pasó al
resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España, el Barroco se
difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII.
ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra
arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia y el Palacio. La
iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales que enmarcan la
gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles,
consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo central
contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis de gran
valor artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son las galerías, que
son salones largos, abovedados y con ventanales, y la escalera "a la
imperial".
PINTURA: En este arte hay una marcada
predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen
composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de
Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de
personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en
los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas,
encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más
caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la
intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos
corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se
destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron
Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el
barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego
Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé
Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la
Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por
Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual
produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H.
Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
ESCULTURA: La escultura barroca muestra las
siguientes características:
MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna
acción violenta y en actitudes de esfuerzo y tensión. Las ropas participan
también de esta agitación y se arrugan en pliegues que revolotean como
sacudidos por el viento.
PATETISMO: gusta de la expresión de estados
anímicos emotivos tales como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., que los rostros
traducen con el más vivo verismo.
CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la
pintura, de manera que los cuerpos se perciben como envueltos en una atmósfera
luminosa.
TEATRALIDAD: existe una propensión a lo
exagerado y a las actitudes elocuentes que hacen de ella una representación
dramática.
- EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo,
que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés
Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines
renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció principalmente en Francia,
en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que
se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de
origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y
elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la
decoración rococó consiguió los mayores logros.
ARQUITECTURA: Los adornos que, representando
falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y las cascadas,
llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para
sustituir el rígido si
